En Peinture d'art, comme dans d'autres formes artistiques, il existe des thèmes récurrents. Le traitement par les peintres de ces thèmes fut longtemps dépendant de la hiérarchie des genres imposée par l'Académie royale de peinture et de sculpture.

• Le portrait et l'autoportrait
• La nature morte et les vanités
• Le nu
• La peinture animalière
• Le paysage
• Les marines
• La peinture d'histoire
• La scène de genre
• La peinture religieuse
• La peinture mythologique ou peinture profane

La couleur et la tonalité sont l'essence même de la peinture, comme le sont la hauteur et le rythme pour la musique. La couleur est fortement subjective, et a des effets psychologiques et des significations symboliques qui peuvent différer d'une culture à l'autre : le noir est associé au deuil dans les pays occidentaux, alors qu'en Asie, c'est le blanc. Quelques peintres, théoriciens, auteurs et scientifiques, comme Goethe, Kandinsky ou Newton, ont écrit leur propre théorie de la couleur. Dans le langage, le mot désignant une couleur englobe bien souvent des couleurs et des tonalités différentes. Ainsi, le mot « rouge » peut couvrir un large éventail de couleurs. Il n'y a pas un registre formel des différentes couleurs, comme c'est le cas pour les notes de musique, même si le système Pantone est couramment employé dans l'imprimerie ou l'industrie graphique.

Pour un peintre, la couleur n'est pas simplement divisée en couleurs primaires et complémentaires (comme le rouge, le bleu, le vert, le brun, etc). En effet, il utilise des pigments lui permettant d'obtenir de grandes variétés de couleurs. 

Le rythme est aussi important dans la peinture que dans la musique. C'est une pause dans un ensemble qui permet à la force créatrice d'intervenir et d'ajouter de nouveaux éléments, une forme, une mélodie, une coloration.

Parmi les peintres qui ont écrit des travaux théoriques sur la peinture, il faut citer tout d'abord Léonard de Vinci (trattato della pittura), Eugène Delacroix et, au XX^e siècle, Salvador Dalí, Paul Klee, Vassili Kandinsky. Ce dernier estimait que la peinture avait une valeur spirituelle, et il rattachait les couleurs primaires aux sentiments ou concepts essentiels.

L'iconographie s'est également attachée à théoriser la peinture. Cette discipline analyse les symboles visuels dans leur dimension culturelle, religieuse, sociale et philosophique pour parvenir à une meilleure compréhension des œuvres d'art.

(extrait de Wikipédia)

🏛️ 1. Antiquité (–3000 à Ve siècle)

• Égypte, Mésopotamie, Grèce, Rome

• Fresques, iconographie religieuse, art funéraire, mosaïques.

• Exemples : fresques de Pompéi, portraits du Fayoum.

 

✝️ 2. Moyen Âge (Ve – XIVe siècle)

• Art chrétien, enluminures, fresques, icônes.

• Style : roman → gothique.

• Exemples : Giotto, enluminures carolingiennes.

 

🌟 3. Renaissance (XVe – début XVIe siècle)

• Perspective, réalisme, humanisme.

• Exemples : Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël, Botticelli.

 

👑 4. Maniérisme (vers 1520–1600)

• Allongement des formes, virtuosité, tension.

• Exemples : Pontormo, Parmigianino, Bronzino.

 

🔥 5. Baroque (1600–1700)

• Dramatisme, clair‑obscur, mouvement.

• Exemples : Caravage, Rubens, Rembrandt, Velázquez.

 

🎀 6. Rococo (1700–1760)

• Légèreté, pastel, décoratif.

• Exemples : Fragonard, Boucher, Watteau.

 

🏛️ 7. Néoclassicisme (1760–1820)

• Retour à l’antique, rigueur, vertu.

• Exemples : David, Ingres.

 

❤️ 8. Romantisme (1800–1850)

• Émotion, sublime, liberté.

• Exemples : Delacroix, Géricault, Turner, Friedrich.

 

🎨 9. Réalisme (1840–1880)

• Vie quotidienne, vérité sociale.

• Exemples : Courbet, Millet, Daumier.

 

🌅 10. Impressionnisme (1870–1890)

• Lumière, instant, vibration.

• Exemples : Monet, Renoir, Degas, Pissarro.

 

🌌 11. Post‑impressionnisme (1880–1905)

• Couleur expressive, structure, symbolisme.

• Exemples : Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.

 

🌀 12. Symbolisme (1880–1910)

• Rêve, mystère, mythes.

• Exemples : Moreau, Redon, Klimt.

 

🧩 13. Art moderne (1900–1950)

Cubisme

• Picasso, Braque.

Fauvisme

• Matisse, Derain.

Expressionnisme

• Munch, Kirchner.

Surréalisme

• Dalí, Magritte, Ernst.

Abstraction

• Kandinsky, Mondrian, Malevitch.

 

🟦 14. Art contemporain (1950–2025)

Abstraction lyrique

• Soulages.

Pop Art

• Warhol, Lichtenstein.

Minimalisme

• Judd, Agnes Martin.

Conceptuel

• Kosuth.

Street Art

• Basquiat, Banksy.

Photographie & hybridations

• Cindy Sherman, Jeff Wall.

La Renaissance picturale s'étend approximativement du début du XVᵉ siècle à la fin du XVIᵉ siècle. On la découpe traditionnellement en trois grands temps qui reflètent une évolution constante des techniques, du rapport au réel et de la vision esthétique.

1. La Première Renaissance (Quattrocento, XVᵉ siècle)

• Décorum & Contexte : Naissance à Florence. Les artistes s'écarter de la peinture médiévale (gothique international) pour redécouvrir l'Antiquité classique et l'humanisme.

  Caractéristiques techniques :

  • Invention de la perspective géométrique à point de fuite unique (développée par Brunelleschi et appliquée en peinture par Masaccio).
  • Étude anatomique méthodique et recherche de réalisme dans le drapé et les postures.
  • Composition encore un peu rigide ou narrative, structurée de façon géométrique.

Figures clés : Masaccio, Fra Angelico, Piero della Francesca, Sandro Botticelli, Mantegna.

2. La Haute Renaissance (Apogée, env. 1490 – 1520)

• Décorum & Contexte : Le centre artistique se déplace de Florence à Rome et Venise. C'est l'âge d'or du classicisme renaissant, caractérisé par la quête d'équilibre parfait, d'harmonie et d'idéal.

• Caractéristiques techniques :

  • Maîtrise absolue de la lumière et de l'espace : Invention du sfumato (fondus de vapeur chez Léonard) et du clair-obscur maîtrisé.
  • Compositions pyramidales, symétriques et fluides qui apportent une sérénité monumentale.
  • Humanisation des figures divines avec une beauté idéale et naturaliste.

Figures clés : Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange (première période), Titien.

3. La Renaissance tardive ou Maniérisme (env. 1520 – 1600)

• Décorum & Contexte : Après la mort de Raphaël (1520) et le Sac de Rome (1527), la confiance dans l'harmonie parfaite s'effondre. Les artistes cherchent à rompre avec les règles strictes de la Haute Renaissance pour exprimer une virtuosité personnelle (« à la manière de »).

• Caractéristiques techniques :

  • Allongement des proportions physiques (corps en forme de « S » ou figura serpentinata)
  • Espaces dépressifs, compositions asymétriques et perspectives complexes ou déformées.
  • Palette de couleurs stridentes, froides ou artificielles.
  • Expression d'anxiété, de sophistication intellectuelle et d'étrangeté.

Figures clés : Parmigianino (Le Parmesan), Pontormo, Le Tintoret, Véronèse, El Greco.